Expresiones, emociones y sensaciones

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Actualmente la tecnología nos proporciona infinidad de medios para documentar la apariencia de la realidad. La fotografía, el video y el cine liberaron al artista de esa tarea. Aun así, el pintor sigue representando realidades de otras maneras. Algunos parten de la realidad y la imitan; otros parten de ella y la deforman, modifican sus formas o sus colores. Otros toman el mundo exterior como referencia pero lo recrean hasta que es imposible reconocerlo. Y algunos desean crear una realidad nueva, la de sus emociones y fantasías, expresando lo que solo pueden decir con formas y colores. Unos de los cambios más importantes en la pintura del S XX fue que muchos artistas dejaron de usar el color de manera descriptiva.

Al color, como a las palabras, puede dársele significados simbólicos. Muchas veces esos símbolos son propios de una cultura. Esto hace que puedan ser interpretados por quienes los conocen. En nuestra cultura, el luto es simbolizado por el color negro. En algunas culturas de Oriente, en cambio, el color del luto es el blanco. Para los hindúes, el naranja es el color místico, en cambio en Occidente, nos asombraríamos de ver a un sacerdote con sotana naranja.

En la vida diaria percibimos la realidad “en color”, es decir, que el color nos brinda información acerca de los objetos y situaciones que nos rodean. Se comprende entonces que nos parezca, en principio, que e

n las imágenes el color posee una descripción naturalista y documental. Pero el color tiene también una dimensión estética: hay un alto grado de subjetivismo en su utilización. El color posee, además, valores simbólicos: significados culturalmente admitidos que amplían y modifican el valor de la imagen. Ciertos colores nos parecen más apropiados que otros para alcanzar determinados fines comunicacionales. Por todo ello, el uso consciente del color en las imágenes amplía y enriquece el abanico de recursos creadores.

Un paseo por el cerebro de 10 artistas contemporáneos

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Diez artistas de varios continentes presentaron en Londres sus “paisajes de la mente” a modo de otras tantas instalaciones que se extienden como un rizoma por las distintas salas de la galería Hayward.

Metafóricamente titulada “Walking in My Mind” (Caminando por el interior de mi cerebro), la exposición explora a través de distintos medios y soportes artísticos los mecanismos internos del cerebro humano.

Como explica uno de ellos, el suizo Thomas Hirschhorn: “Mi obra está concebida como un espacio mental…quiero crear, a través de mi obra, un diálogo o una confrontación en la mente de la otra persona”.

Y de este artista nacido en Berna en 1957 es una de las instalaciones más interesantes de la exposición: consiste en un laberíntico e irregular complejo de túneles y cuevas de cartón recubierto de cinta adhesiva como la utilizada en los paquetes.

Parece evocar las cuevas excavadas en los Alpes suizos para servir de refugios antiaéreos: parte de los túneles están empapelados de fotocopias de obras filosóficas o sociológicas, y pueden verse en ellos relojes, latas vacías, libros atados a cartuchos de dinamita y grupos de maniquíes humanos conectados a cables que salen del techo.

Cada una de las cámaras de que consta el complejo corresponde supuestamente a los cuatro lóbulos en los que se divide la corteza cerebral.

Flor Garduño fotógrafa esencial

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Flor Garduño estudió en la Academia de San Carlos y durante varios años fue asistente de laboratorio del maestro fotógrafo Manuel Álvarez Bravo. Pronto encontró su propia visión, sin embargo, cuando hizo varios viajes en los años ochenta a remotas zonas de Hispano-América para fotografiar las vidas y los ritos de los indígenas. “Testigos del Tiempo”, un libro fotográfico, fruto de esos viajes, se editó en seis ediciones y fue un éxito internacional con exposiciones en más de cuarenta museos alrededor del mundo, incluyendo el Art Institute de Chicago, el Center for CreativePhotography de Tucson además de numerosas ciudades internacionales. Las fotografías de Flor Garduño se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el J. P. Getty Center, Los Angeles y el Stiftung für Fotographie en Zurich. Sus libros publicados incluyen “Magia del Juego Eterno”, “Bestiarium”, “Mesteños”, “Flor Garduño: Luz Interna – Desnudos y Bodegones”. Es ganadora de numerosos premios internacionales y expone internacionalmente en Europa y las Américas. 

Flor Garduño, una de las más importantes fotógrafas contemporáneas del mundo, provoca asombro, emociones y ensoñaciones. Gracias a la maestría  y dominio del oficio, logra cautivar al espectador y sumergirlo en una profunda introspección ante convivencias inverosímiles.

Trilogía se exhibe en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en ocho salas, bajo la curaduría de la arquitecta Paola Cerutti. Fotografías en blanco y negro que Garduño realizó entre 1980 y 2010, trabajadas con luz natural y que en su mayoría se exhiben por primera vez al público. Está organizada en tres núcleos temáticos:

Bestiarium

Integrado por 32 imágenes que la fotógrafa desarrolló en su primera etapa de trabajo. Aborda la fábula de lo prehispánico, el animal, hermano gemelo del hombre, aquel que se convierte en animal y/o hombre y viceversa: el Nahual. 

“…la bestia, como atracción, sin duda tiene su auge en la infancia. En mi caso, he crecido en una granja acompañada por un vasto zoológico familiar. Esto derivó luego en mi interés por los mitos, los personajes mitad hombre mitad animal, por las hermosas bestias monstruosas”.

Mujeres fantásticas

El trabajo que Flor ha desarrollado retomando elementos mitológicos de la cultura mexicana, latinoamericana y griega; 32 piezas realizadas entre 1999 y 2010. En este apartado, desarrolla una serie de arquetipos femeninos que pertenecen a diferentes culturas.

Naturalezas silenciosas

Obras entre 1998 y 2009. Un tema donde el alma de Flor juega y se divierte; nos dice “cuando pienso en Naturalezas Silenciosas, debo confesar que estas fotografías las hice para mi, para mantener mi espíritu lúdico a los largo de estos años”.

Fotografía vouyerista

Ellen Von Unwerth

Fotografa de profesión, vouyerista por afición…

Después de diez años de modelar para diversas marcas Ellen mudó de profesión y ahora en lugar de posar para las cámaras, trabaja detrás de ellas. Asi es como se comenzó a forjar uno de los corpus de fotografía erótica más conocidos en el mundo del arte contemporáneo y de la moda.

Su estilo provocador y sensual más que nada es una mezcla de su propia vivencia como modelo y la visión femenina sobre todo, Von unwerth se distingue por generar belleza a través de imágenes eróticas y bastante juguetonas, con lo cual pronot paso de la fotografía fija a comerciales, películas y videos musicales para diferentes marcas como Bacardi, Victoria’s Secret, Chanel, Miu Miu, entre otros.

Puede ser que para muchos el erotismo, impregna más en blanco y negro, sin embargo a Ellen le agrada más utilizar el color en sus composiciones, su color favorito es el rojo y la generación de contrastes con blanco y negro, con los cuales es capaz de generar feminidad, romanticismo y misterio propias de las mujeres.

En sus fotografías las mujeres lucen como muñecas, como el ideal de la perfección, labios carnosos que despiden ingenuidad pero a la vez sexualidad como objetos de deseo.

Su libro más reciente es Fraulein, y sus fotografías se han expuesto en innumerables exposiciones como Archaeology of Elegance (2201-2) y Fashion Fiction, mostrada en MOMA(Queens, NY, en 2004) y también es constantemente requerida para revistas como Vogue, Vanity Fair, Interview, entre otras.

By Clau-dinsky

¿SÓLO ANUNCIOS? Función de los anuncios publicitarios

Si tenemos que definir qué significa el diseño publicitario podríamos optar por una definición simple pero completa; se entiende por éste la creación y maquetación de publicaciones impresas tales como trípticos, flyers, revistas, libros y periódicos.

Los grafitis (pintadas en las paredes que realizaban los romanos con el fin de comunicar un mensaje) fueron los primeros medios de comunicación gráfica que surgió entre los individuos, con el paso del tiempo, éstos fueron evolucionando mediante la ayuda de las tecnologías emergentes. Aparecieron los carteles, las primeras comunicaciones de prensa gratuitas, y por último las revistas; este fue el comienzo de la evolución de los medios masivos, extendiéndose luego a la radio y la televisión. El desarrollo de dichos medios conllevo sin lugar a dudas al desarrollo del mercado; sus productos, las empresas que lo integran e integraban; etc.,

Con el correr de los años el diseño publicitario ha ido mutando y evolucionando de forma constante, de hecho actualmente lo sigue haciendo; al principio para obtener un diseño se necesitaban técnicas manuales, mientras que hoy en día la tecnología las ha reemplazado eficientemente logrando mejoras en el tiempo, la producción y los diseños. Cuando contratamos a un especialista para que elabore los diseños de publicidad de nuestra empresa, antes de comenzar con el trabajo, él y su equipo deberán considerar 4 puntos fundamentales: lo que se diseñará, el grupo de personas a quienes va dirigido el producto, qué medios utilizarán para realizar la publicidad y finalmente, las características de la competencia.

Aunque el diseño publicitario ya no sea el mismo, desde que éste nació hasta ahora, estos 4 puntos fueron siempre cruciales a la hora de trabajar.

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Arte Huichol José Benítez Sánchez

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El primero de junio del 2009 falleció el maestro José Benítez Sánchez, artista huichol de renombre internacional.

El gran pintor de estambre e innovador  del arte huichol era de orígenes humildes. Nació en 1938., en San Pablito, un rancho serrano del municipio de Nayarit. Sus padres lo llamaron Yucauye Cucame “El caminante silenciosos”. A los 8 o 9 años comenzó a practicar la cacería de venado con trampa y, así, comenzó a iniciarse en el chamanismo huichol. Sin embargo de adolescente  miró a la costa  de Nayarit para ganarse la vida como trabajador  de campo. Más tarde consiguió empleo en el centro del INI (Instituto Nacional Indigenista) de Tepic, primero como barrendero, pero muy pronto empezó a trabajar como intérprete. En el marco del plan “Huicholes, Coras, Tepehuanes” un mega proyecto de desarrollo que el gobierno lleva a cabo durante el periodo de Luis Echeverría. Benítez Sánchez se dedicaba a proyectos de fomento y comercialización  de artesanía. Impulsado por funcionarios  indigenistas  y comenzó a la producción de tablas de estambre.

Se trataba de un género aun relativamente reciente. La producción comercial de estas pinturas  multicolores elaboradas con estambre pegado sobre tablas de madera o triplay con un tipo de cera de preparación rústica, llamada “cera de Campeche”, comenzó a mediados del siglo XX. Al principio se trataba de trabajos artesanales  sencillos que semejaban a las tablitas Nierika usadas en los rituales huicholes pero, hacia finales de la década  de los sesenta, este género experimento  un gran auge y se elaboraron cuadros cada vez más grandes y complejos. El estilo psicodélico  de las tablas, inspirado en visiones del peyote, tuvo n enorme éxito internacional, sobre todo entre los jóvenes de los movimientos culturales de la época.

Se convirtió en uno de los protagonistas  del boom de las tablas de estambre. Entre 1973 y 1980 tuvo una fase de creatividad  extraordinaria y presento su obra  en numerosos museos y galerías de estados Unidos y Europa. Durante estos años se convirtió, además, en líder político de los huicholes de la capital  del estado de Nayarit. Durante el gobierno de Celso Delgado logró la fundación de Sitakua, una colonia propia de los huicholes en la periferia de Tepic, donde construyeron un centro ceremonial  muy similar a los que existieron en las comunidades de la sierra. Fue electo el primer tatuwani o gobernador tradicional.

Como artista triunfó primero en el extranjero pero, en años recientes, comenzó a tener grandes reconocimientos e importantes encargos públicos  de parte de diversas instituciones mexicanas.  En el 2001 se le encargó un mural de 20 metros cuadrados en la estación Juárez del tren ligero de Guadalajara. La obra titulada la semilla del mundo, logra una síntesis muy lograda e interesante de la mitología cosmogónica de los huicholes: Al igual que muchas de sus obras  enfatiza los contrastes entre el  mundo primordial de abajo ( Watet+apa), el mundo de en medio (la sierra Huichola) y el mundo solar de arriba (Taheima).

En 2003, le fue otorgado el Premio Nacional de Ciencias y Artes en la categoría de Artes y Tradiciones Populares.

Se busca: Diseñador mexicano con talento para ilustrar…

Como consecuencia del reconocimiento a su trabajo en el 2004, Alberto Cerriteño fue invitado a una agencia en Estados Unidos y actualmente su trabajo es reconocido en varios países de Europa y América.

En 1996 se título como diseñador gráfico en la Universidad del Valle de México. Antes de terminar sus estudios ya se encontraba trabajando, por lo tanto en 1998 asumió el puesto de director en terno Publicidad, peuqeña agencia filial de Alazraki y asociados. en este periodo su trabajo consistio en el desarrollo de estrategias de diseño dese conceptualización hasta implementación final, interfaces interactivas, desarrollos online e implementación de componentes multimedia.

Después de 2002 a 2005 fundó su propio estudio de diseño interactivo, en este momento su trabajo comenzó a fluir entre niveles nacionales e internacionales y comenzó a ser publicado en libros y revistas, debido a esta difusión su trabajo llegó a Estados Unidos en donde trabajo en diferentes ambitos para empresas como MTV, Microsoft, Apple, Nickelodeon, y en ambitos educacionales para Museos y Disney.

Su trabajo como ilustrador se ha destacado por un estilo propio y fresco y ha sido motivo de diversas exposiciones en Estados Unidos, su trabajo más reciente lo ha llevado a Hungría para participar en la producción de un largometraje en Budapest.

By Clau-dinsky

Diseño biofílico

Por que el verde esta de moda…

Es innegable que el verde esta de moda, ya saben con todo lo de bio-esto, bio-aquello, y los diseñadores lo sabemos… por eso nos esmeramos en ser amigables con el medio ambiente.

Por eso, las demandas de estos productos no se limitan simplemente a alimentos, textiles, papeles, etc.

Sin embargo las ramas especificas del diseño tienen una nueva vertiente ” el diseño biofílico”, a parte de las ya conocidas:

1) El diseño sustentable, considera factores ambientales y sociales mientras promueve prácticas como el comercio justo.

2) El diseño ecologico, cuyo movil central es el respeto a los ecosistemas.

3) Diseño bioquímico, que imita las formas de la naturaleza.

y el más reciente,

4) El diseño biofílico, que intentará retomar la relación del ser humano con el entorno natural.

La palabra biofilia literalmente significa ”amor por la vida”, pero la teoría va más allá del simple gusto, el aprecio, el respeto ético o la simpatías que cualquier humano puede sentir hacia las ”plantitas”.

Este nuevo concepto busca generar una reacción social y sobre todo perceptual del humano frente a la naturaleza, los creadores de estos conceptos, afirman que el desarrollo de las habilidades físicas, intelectuales y emocionales del ser humano requiere la diversidad de estimulos que otorga el ambiente natural. Basados en esto, los biofilicos defienden la integración de elementos naturales en los espacios humanos mediante distintas estrategias, como el mayor uso posible de la luz natural, la posibilidad de acceder con frecuencia a espacios exteriores, el uso de ventilación natural, etc.

además de efectos positivos para la salud mental y física de los usuarios de tales edificios, es obvio que este tipo de diseños pueden contribuir al ahorro de la energía que tanta falta hace en el planeta.

Por lo tanto, las teorías biof;ilicas encajan perfectamente con las tendencias sustentables que cada día se hace más imperativo seguir, debido a que los recursos naturales se agotan cada vez más y cada vez más rápido…

By Clau-dinsky

Qué es el ARTE.

En su sentido más amplio, el arte incluye todo lo hecho por el hombre, en contraposición con las obras de la naturaleza. En este sentido, las obras pictóricas, las casas, los reactores atómicos, las ciudades, las cajas de cerillas, los barcos y los montones de basura, son arte; mientras que los árboles, los animales, las estrellas y las olas del mar, no lo son. En esta misma orientación afirmó André Gide que «la sola cosa no natural en el mundo es una obra de arte», y en este sentido preciso su afirmación constituye una tautología.

La cualidad de estar hecho por el hombre constituye una condición necesaria para que un objeto sea denominado obra de arte. Si lo que considerábamos pieza de escultura resulta ser un trozo de madera a la deriva, podemos seguir considerándolo como objeto artístico, y podrá seguir siendo tan bello (o feo) como antes, pero va no será una obra de arte.

Otras condiciones restrictivas, sin embargo, son mucho más discutibles: se han dado innumerables definiciones de «arte» en la historia de la teoría estética, y de la mayor parte de ellas puede afirmarse que estamos más seguros de la condición artística o no de determinada obra, que de que las definiciones dadas sean satisfactorias. Como con tantos otros términos (por ejemplo: «romanticismo»), estamos más seguros de la denotación del término (i.e., de lo que abarca) que de su designación (i.e., el criterio por el que ciertas obras podrían ser incluidas y otras excluidas).

Por otro lado, como veremos en seguida, muchas definiciones de arte se formulan desde la perspectiva de alguna teoría concreta del arte y, consiguientemente, dependen de la exactitud de esa teoría. La mayor parte de las teorías deben considerarse como generalizaciones sobre el arte, por el estilo de ésta: «todo lo que constituye una obra de arte posee también tales y tales características», más que como definiciones susceptibles de servirnos de punto de partida. Esa generalización, en realidad, cuando utiliza el término «arte», presupone algún significado existente ya en el término, más que asignárselo por vez primera. Quienes “definen” así el arte, deben presuponer alguna definición en cierto modo aproximada del término, so pena de que sus lectores ignoren por completo a qué se refiere la generalización.

En cualquier caso, en la teoría estética nos ocupamos de una clase de objetos mucho más limitada que el inmenso conjunto de cosas hechas por el hombre; o, con mayor precisión tal vez, de una función más reducida de objetos. Nos ocupamos de las cosas hechas por el hombre sólo en cuanto pueden ser contempladas estéticamente. Ahora bien, puede ocurrir que todos los objetos sean susceptibles de tal contemplación, pero es absolutamente cierto que no todos (o al menos no todos igualmente) superarán el escrutinio estético. Es también absolutamente cierto que hay muchas formas de mirar los objetos hechos por el hombre, distintas de la forma estética. Se necesita, pues, estrechar el campo para excluir, si no la inmensa mayoría de los objetos confeccionados por el hombre, al menos la mayor parte de las formas de contemplarlos.

Logotipos que CUMPLEN

Detrás de cada logotipo hay una historia, algo que contar ¿a poco no?

Sin embargo con la cada vez más creciente globalización, esto ha quedado atrás, ahora lo más importante es que un logo sea reconocible e interpretado de la forma correcta por parte del consumidor (aquí es donde entramos los diseñadores).

Para no quedar mal  cito a un famoso Jörg Zintzmeyer, que en su libro “Logo Design” afirma que: “El logo es una promesa. El logo no es en sí mismo una marca: es una forma de expresión de la misma o su imagen más condensada. (…) La marca ha de ofrecer lo que el logo promete.”

Los logotipos que funcionan son aquellos que son fáciles de asimilar y de recordar en la mente del espectador, estan ampliamente relacionados con el servicio y producto que ofrecen y sirven como sello distintivo.

Cuando de logos se habla, puedo mencionar cientos de ellos, tal vez miles, sin embargo, el logro de estos logos radica en que realmente estan BIEN DISEÑADOS.

Posiblemente el logotipo de Coca-Cola sea el más reconocido mundialmente, simple de interpretarlo, por los colores y la disposición  tipografía promete juventud, frescura y vitalidad. Este logo es tan efectivo que jamás ha tenido que ser modificado.

El logo de la cadena de hamburguesas más famosa del mundo, en este caso tiene todas las cualidades de un diseño FUNCIONAL, simple, atractivo, consistente, aplicable y distintivo, claro sin dejar de mencionar el color tan enérgico.

El logotipo de Apple, representado por una manzan que simboliza el conocimiento, mientras que el color plateado simboliza el futurismo y los avances que la marca promete.

El motor de búsqueda más solicitado del mundo virtual cuenta con un logotipo formado con una tipografía sencilla y ligera con varios colores llamativos. El motivo dinámico y alegre, concuerda perfectamente con la velocidad que ofrece la marca.

By Clau-dinsky